Cette unité d'enseignement bisannuelle est dispensée en 2026-2027
Enseignants
Langue
d'enseignement
d'enseignement
Français
Préalables
/
Thèmes abordés
Cours magistral : analyses comparatives, études de situations et de cas concrets, rappels de données historiques et exposés d'actualité, apports sur la méthodologie de l'enquête et de la synthèse.
Discussions. Travail de recherche personnel.
Discussions. Travail de recherche personnel.
Acquis
d'apprentissage
d'apprentissage
A la fin de cette unité d’enseignement, l’étudiant est capable de : | |
| 1 | L'acquisition d'une compréhension de l'environnement politique, économique et social des arts de la scène envisagé dans ses différentes dimensions, locale, nationale, européenne. |
Contenu
Le cours aborde la sociologie des arts de la scène à partir de concepts et de méthodes issus de la sociologie, de la théorie politique et des études de performance. Chaque séance examine une dimension particulière des relations entre les arts de la scène — notamment le théâtre, la danse, la musique, l’opéra, l’art de la performance et l’artivisme — et leurs environnements sociaux, politiques, économiques et institutionnels. Une attention particulière est accordée aux questions de pouvoir, aux institutions et politiques culturelles, au travail artistique, au financement, aux publics, à la représentation, à l’identité et à l’accès à la culture. Les exemples sont principalement issus de contextes européens, avec une attention particulière portée à la Belgique. Les expériences personnelles et les connaissances historiques des étudiant·es sont mobilisées tout au long du cours afin de nourrir les discussions, de clarifier les concepts et de favoriser un engagement critique avec les perspectives théoriques.
À travers des lectures approfondies, des cours, des présentations orales, des discussions et débats en groupe, ainsi que des études de cas et des projections vidéo, les étudiant·es analyseront à la fois des performances artistiques et les contextes sociaux et institutionnels dans lesquels elles sont produites, diffusées et reçues. Les discussions autour de textes théoriques, de performances et de cas contemporains visent à développer leur capacité à comprendre et à communiquer de manière critique des arguments théoriques, à appliquer des concepts sociologiques à des exemples concrets et à établir des liens entre les pratiques artistiques et des enjeux sociaux et politiques plus larges. À l’issue du cours, les étudiant·es auront développé des compétences analytiques leur permettant d’étudier les arts de la scène comme des pratiques sociales et d’évaluer la manière dont les artistes, les professionnel·les de la culture, les institutions, les publics et les performances interagissent avec des structures plus larges de pouvoir, de représentation, d’inégalité et de transformation sociale et politique.
1. Histoire et fondements de la sociologie du théâtre
À travers des lectures approfondies, des cours, des présentations orales, des discussions et débats en groupe, ainsi que des études de cas et des projections vidéo, les étudiant·es analyseront à la fois des performances artistiques et les contextes sociaux et institutionnels dans lesquels elles sont produites, diffusées et reçues. Les discussions autour de textes théoriques, de performances et de cas contemporains visent à développer leur capacité à comprendre et à communiquer de manière critique des arguments théoriques, à appliquer des concepts sociologiques à des exemples concrets et à établir des liens entre les pratiques artistiques et des enjeux sociaux et politiques plus larges. À l’issue du cours, les étudiant·es auront développé des compétences analytiques leur permettant d’étudier les arts de la scène comme des pratiques sociales et d’évaluer la manière dont les artistes, les professionnel·les de la culture, les institutions, les publics et les performances interagissent avec des structures plus larges de pouvoir, de représentation, d’inégalité et de transformation sociale et politique.
1. Histoire et fondements de la sociologie du théâtre
- Développement historique de la sociologie du théâtre et des arts de la scène
- Principales approches, notions et traditions disciplinaires
- De la sociologie du théâtre à des approches sociologiques et performatives plus larges
- Théories et modèles de la démocratie
- Pouvoir, idéologie, représentation politique et artistique
- Performance, conflit politique et participation démocratique
- Conditions économiques, politiques culturelles, financement et production artistique
- Artistes et professionnel·les de la culture : statuts, travail et précarité
- Théâtres, festivals, institutions et pratiques indépendantes
- Espace public, sphère publique et performance
- Intervention artistique, protestation, rassemblement et occupation
- Consensus, conflit, dissensus et agonisme
- Construction sociale des publics
- Tension, affect, identification et expérience collective
- Construction de communautés, appartenance, participation et exclusion
- Construction sociale et performance des corps
- Genre, race, classe, migration, identité et appartenance
- La performance comme reproduction ou contestation des normes et des inégalités
- Conflits sociaux et politiques contemporains
- Activisme, protestation, polarisation et action collective
- Capacités et limites de la performance à transformer les relations sociales
- Médiation culturelle, critique, médias et discours public
- Programmation, festivals, formation du canon et légitimité artistique
- Visibilité, circulation, mémoire et reconnaissance sociale
Méthodes d'enseignement
Le cours repose sur une approche participative et peer-to-peer, combinant cours magistraux, lectures, présentations étudiantes, débats, études de cas et analyses de performances. Une première séance introductive présente les principaux concepts, enjeux et méthodes du cours.
À partir de la séance suivante, chaque cours débute par une courte synthèse de la séance précédente, permettant de revenir sur les notions abordées, de clarifier les éventuelles difficultés et d’établir un lien avec le thème du jour. La séance se poursuit ensuite par la présentation d’un texte par un·e étudiant·e, suivie d’un débat préparé et animé par d’autres étudiant·es. Ce dispositif vise à favoriser l’apprentissage entre pairs, la participation active, la discussion critique et l’appropriation progressive des concepts théoriques à partir de cas concrets liés aux arts de la scène et à leurs contextes sociaux, politiques et institutionnels.
À partir de la séance suivante, chaque cours débute par une courte synthèse de la séance précédente, permettant de revenir sur les notions abordées, de clarifier les éventuelles difficultés et d’établir un lien avec le thème du jour. La séance se poursuit ensuite par la présentation d’un texte par un·e étudiant·e, suivie d’un débat préparé et animé par d’autres étudiant·es. Ce dispositif vise à favoriser l’apprentissage entre pairs, la participation active, la discussion critique et l’appropriation progressive des concepts théoriques à partir de cas concrets liés aux arts de la scène et à leurs contextes sociaux, politiques et institutionnels.
Modes d'évaluation
des acquis des étudiants
des acquis des étudiants
La note finale repose sur quatre composantes:
1. Présence en cours et participation aux discussions – 10 %
La présence active en cours et la contribution régulière aux discussions de groupe sont prises en compte dans l’évaluation.
2. Présentation orale – 30 %
Chaque étudiant·e présente un texte théorique choisi parmi les lectures du cours. La présentation doit identifier les principaux arguments du texte, en expliquer les concepts clés et montrer leur pertinence pour la sociologie des arts de la scène, notamment le théâtre, la danse, la musique et l’artivisme. L’objectif est de développer la capacité des étudiant·es à comprendre, synthétiser et communiquer de manière critique des arguments théoriques, ainsi qu’à les mettre en relation avec des questions concrètes concernant les pratiques artistiques, les artistes et professionnel·les de la culture, les institutions, les publics, ainsi que les contextes sociaux et politiques plus larges dans lesquels s’inscrivent les arts de la scène.
3. Préparation et participation aux débats – 10 %
À partir des lectures assignées, chaque étudiant·e prépare des questions relatives à l’un des textes du cours, destinées à stimuler et structurer la discussion collective. L’objectif est de développer la capacité des étudiant·es à engager une lecture critique des textes théoriques et à établir des liens entre les concepts abordés pendant le cours, les arts de la scène et des enjeux sociaux et politiques contemporains plus larges.
4. Travail écrit individuel – 50 %
Le travail final consiste en un travail de recherche individuel portant sur un sujet lié à la sociologie du théâtre et de la performance. Les étudiant·es peuvent soit examiner un aspect spécifique du champ des arts de la scène, soit analyser une performance artistique d’un point de vue sociologique. Le travail doit mobiliser les concepts et outils d’analyse abordés pendant le cours et, lorsque cela est pertinent, s’appuyer plus largement sur les sciences humaines et sociales. Longueur maximale: 5 pages, notes de bas de page comprises, hors illustrations. Le travail doit être rédigé en Times New Roman, corps 12, avec un interligne double.
Les sujets possibles peuvent notamment porter sur les conditions sociales et professionnelles des comédien·nes et autres professionnel·les des arts de la scène; le rôle des théâtres, festivals, institutions culturelles et structures de financement; les relations entre artistes, institutions et publics; l’accès à la culture et la composition sociale des publics; les questions de représentation et de diversité au sein des institutions théâtrales et culturelles; ou encore la manière dont les performances contemporaines abordent des enjeux tels que les migrations, le genre, le racisme, les inégalités sociales, la classe, l’identité, l’exclusion, et les conflits politiques. Les étudiant·es peuvent également s’intéresser à la manière dont certaines performances reproduisent, interrogent ou transforment les normes sociales, les rapports de pouvoir, les représentations collectives et les formes de participation à la vie publique.
1. Présence en cours et participation aux discussions – 10 %
La présence active en cours et la contribution régulière aux discussions de groupe sont prises en compte dans l’évaluation.
2. Présentation orale – 30 %
Chaque étudiant·e présente un texte théorique choisi parmi les lectures du cours. La présentation doit identifier les principaux arguments du texte, en expliquer les concepts clés et montrer leur pertinence pour la sociologie des arts de la scène, notamment le théâtre, la danse, la musique et l’artivisme. L’objectif est de développer la capacité des étudiant·es à comprendre, synthétiser et communiquer de manière critique des arguments théoriques, ainsi qu’à les mettre en relation avec des questions concrètes concernant les pratiques artistiques, les artistes et professionnel·les de la culture, les institutions, les publics, ainsi que les contextes sociaux et politiques plus larges dans lesquels s’inscrivent les arts de la scène.
3. Préparation et participation aux débats – 10 %
À partir des lectures assignées, chaque étudiant·e prépare des questions relatives à l’un des textes du cours, destinées à stimuler et structurer la discussion collective. L’objectif est de développer la capacité des étudiant·es à engager une lecture critique des textes théoriques et à établir des liens entre les concepts abordés pendant le cours, les arts de la scène et des enjeux sociaux et politiques contemporains plus larges.
4. Travail écrit individuel – 50 %
Le travail final consiste en un travail de recherche individuel portant sur un sujet lié à la sociologie du théâtre et de la performance. Les étudiant·es peuvent soit examiner un aspect spécifique du champ des arts de la scène, soit analyser une performance artistique d’un point de vue sociologique. Le travail doit mobiliser les concepts et outils d’analyse abordés pendant le cours et, lorsque cela est pertinent, s’appuyer plus largement sur les sciences humaines et sociales. Longueur maximale: 5 pages, notes de bas de page comprises, hors illustrations. Le travail doit être rédigé en Times New Roman, corps 12, avec un interligne double.
Les sujets possibles peuvent notamment porter sur les conditions sociales et professionnelles des comédien·nes et autres professionnel·les des arts de la scène; le rôle des théâtres, festivals, institutions culturelles et structures de financement; les relations entre artistes, institutions et publics; l’accès à la culture et la composition sociale des publics; les questions de représentation et de diversité au sein des institutions théâtrales et culturelles; ou encore la manière dont les performances contemporaines abordent des enjeux tels que les migrations, le genre, le racisme, les inégalités sociales, la classe, l’identité, l’exclusion, et les conflits politiques. Les étudiant·es peuvent également s’intéresser à la manière dont certaines performances reproduisent, interrogent ou transforment les normes sociales, les rapports de pouvoir, les représentations collectives et les formes de participation à la vie publique.
Autres infos
Le respect et l’inclusivité sont essentiels à la création d’un environnement d’apprentissage positif et constructif, et chacun·e est invité·e à y contribuer. Aucune forme de discrimination ne sera tolérée sur la base de la langue, du nom, de la couleur de peau, du genre, de la religion, de l’orientation sexuelle, du handicap, de l’âge ou de toute autre caractéristique personnelle ou sociale.
Bibliographie
Les références bibliographiques et documentaires liées au cours seront fournies progressivement au fil du semestre. Elles pourront comprendre des chapitres d’ouvrages, des articles scientifiques évalués par les pairs, des extraits de monographies, des rapports, des entretiens, des documents de première main, des ressources audiovisuelles ainsi que des liens vers des ressources en ligne pertinentes.
Faculté ou entité
en charge
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